Danja Akulin (*1977  Leningrad, SU) studierte von 2000-2005 bei Georg Baselitz an der UdK, Berlin, danach absolvierte er dort das Advanced Master Program in der Klasse von Daniel Richter. Seine schwarz-weißen, konzeptionellen Zeichnungen, die er selbst ästhetisch minimalistisch nennt, zieht der Künstler auf Leinwand auf, so dass sie wie Bilder erscheinen. Seine Motivwahl reicht von Selbstportraits über Stilleben bis zu Symbolen und Zeichen. Dabei legt er mittels des Zeichenprozesses die graphische Struktur von Objekten frei, um, das Skizzenhafte betonend, sie in eine Art Entwurfszustand zu überführen. Sein Spiel mit Licht und Schatten und mit der sinnlichen Wahrnehmung ist seine Antwort auf die heutige Zeit der alles bestimmenden Massenmedien.

Die farbig sinnlichen Zeichnungen in Pastell und Farbstiften der  Klapheck-Schülerin Martina AltSchäfer (*1960 Rüsselsheim) transportieren Vollkommenheit, Ordnung, Harmonie und ornamentale Schönheit. Dies erreicht die Künstlerin mit einer virtuosen Technik, die sie sich theoretisch und zeichnerisch intensiv erarbeitet hat. Basierend auf der Auseinandersetzung mit bildnerischen Ordnungsprinzipien der Kunstgeschichte wie z.B. dem Goldenen Schnitt oder dem Kubismus, entwickelt sie ein eigenes System, in das sich geometrische Elemente wie Diagonalen, Kreise und Linien einfügen.

Matthias Beckmann (*1965 Arnsberg) hat in den letzten Jahren immer wieder die Inszenierung und Betrachtung von Kunst und Kultur an ausgewählten Orten zum Thema umfangreicher Serien gemacht, so zum Beispiel die in der Ausstellung gezeigte Folge von Proben der Oper von Christoph Willibald Glucks „Armida“ an der Komischen Oper Berlin.  Die streng linearen Bleistiftzeichnungen spielen mit Gestaltungsmitteln, die wir aus Fotografie und Film zu kennen scheinen – wechselnde Perspektiven, zuweilen willkürlich erscheinende Realitätsausschnitte, das Zoomen zwischen Totale und Detail. Die einzelnen Zeichnungen der Serie ergänzen sich gegenseitig und ergeben in ihrem Zusammenspiel ein Porträt des Ortes oder der Situation. Dabei unterscheidet der Künstler nicht zwischen Wichtigem und Nebensächlichem, sein Stift und die Linienführung, die aus reiner Kontur besteht, lässt in der Gestaltung keine Hierarchie der Dinge erkennen.

Mutsuo Hirano (*1952 Hyogo, Japan) studierte Germanistik an der Tenri Universität (Japan), bevor er es ab 1975 an der Philipps-Universität Marburg in Deutschland fortsetzte; dort nahm er auch sein Kunst- und Kunstgeschichtsstudium auf, das er 1990 abschloss. Die ausgestellte Serie „Blätter der Psychose“ bezieht sich inhaltlich auf das Neue Testament – die Apokalypse. Er setzt diesem Thema jedoch eine positive Akzentuierung entgegen, indem er  florale Elemente dem Zerfall und dem Untergangsmotiv als Botschaft des Wachstums gegenüberstellt. In der Bildsprache sind Motive des Neuen Testaments sowie Zitate aus der orientalischen und asiatischen Kunst vereint.

Nachdem Hannes Kater (*1965 Berlin) von 1991–1998 an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig studiert hatte, war er Meisterschüler bei Prof. Raimund Kummer. Zuletzt erhielt er 2011 ein Arbeitsstipendium des Kunstfonds Bonn. Katers „Tageszeichnungen”, mit denen er sein Zeichen-Vokabular entwickelt und pflegt, sind die Basis für seine erzählerischen Raumbilder, die er „Raumzeichnungen” nennt. Ob direkt auf die Wand, auf geschnittenem und dann in den Raum ragendem Styropor oder auf Papier: Zeichen und Informationen bilden raumfüllende Beziehungsgeflechte. Sie zeigen Verkettungen von Figuren, sozialer Bezüge und vielschichtiger Ordnungsmuster, und der Betrachter ist eingeladen, Fragen zu stellen, um über die Grenze der Wand hinaus das Rätsel seiner Zeichnungen und Zeichen zu entschlüsseln.

Die Arbeiten Ralf Kerbachs (*1956 Dresden), Professor an der Kunsthochschule Dresden, strahlen vordergründig eine wohltuende Insichgekehrtheit aus, die jedoch bei näherer Betrachtung in mit klaren
Linien erzählte Geschichten zerbricht. Seine Arbeiten sind voller Kraft und Leidenschaft, mit eigenwilligem, aber treffendem Humor und Ironie gewürzt. Kerbach gehört zusammen mit Malern wie Lutz Fleischer, Cornelia Schleime, Hubertus Giebe und Wolfgang Smy zur letzten Generation junger Dresdner Maler, die sich in der zweiten Hälfte der 70er Jahre mit ihrem Neoexpressionismus gegenseitig inspirierten und das Publikum elektrisierten. Dann verließ ein Teil von ihnen, überdrüssig der Verdächtigungen und Behinderungen von Seiten der Staatsmacht, die DDR. Auch Kerbach wurde ein “Ausgebürgerter”; er ging 1982 nach Westberlin. Als östlicher Gegenpart zu den Jungen Wilden des Westens hatte er gegen Malströme beliebiger Markthörigkeit anzukämpfen.

Alexander J. Kraut (*1965 Bernbeuren am Auerberg) studierte an der Akademie für Bildende Künste in Stuttgart bei Prof. Rudolf Schoofs und Prof. Marianne Eigenheer. Der Künstler erhielt u.a. 1999 ein DAAD-Stipendium in New York, 2001 den 1. Preis beim Wettbewerb „Linolschnitt heute V“ und 2004 ein einjähriges Stipendium der Cité des Arts, Paris. Seine Papierarbeiten zeichnen sich durch einen Strich aus, der gleichsam leicht und schwer wirkt, dicht und vereinzelt; dieser Gegensatz  verleiht den Zeichnungen ihren starken Charakter. In seiner ausgestellten Serie „Sandlicht“ verwendet Kraut während des Entstehungsprozesses Wüstensand, um die Struktur des Bleistiftstrichs zu verändern und zu verfeinern.

Anne Rinn (*1968 Tübingen) studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Wien und am Surikow-Institut Moskau, wo sie 1994 ein DAAD-Stipendium erhielt. Weitere Stipendien,  wie das Arbeitsstipendium der Stiftung Kulturfonds Berlin 1998, folgten. Ihre Tuschezeichnungen sind mit klaren Umrisslinien ausgeführt und geben einen Einblick in eine eigentümliche Maschinenwelt. Energien werden gebündelt, Räderwerke in Gang gesetzt, Maschinenteile wachsen organisch zusammen, andere stoßen sich ab. In dieses Netzwerk setzt Rinn menschliche Gestalten und reflektiert so das Verhältnis von Mensch, Wissenschaft, Technik und Natur.

8. bis 11. März 2012

Sie finden uns in Halle 3, Stand-Nr. K27
Stand-Telefon: 0177/264 7080

Öffnungszeiten: 8.-10. März von 12-20 Uhr; Sonntag, den 11. März von 11-19 Uhr

Preview und Vernissage sind am 7. März, 14 - 21 Uhr (nur für geladene Gäste); mit VIP-Ticket Einlass ab 11 Uhr.

Im Rahmen der One-Artist-Show präsentieren wir: Volker Stelzmann
Zum Eintrag Galerie Poll im One-Artist-Katalog.

Außerdem zeigen wir Arbeiten von:
Sabina Grzimek, Waldemar Grzimek, Maxim Kantor, Dieter Kraemer, Thomas Lange, Peter Nagel, Sabine Peuckert, Hermann Poll, Jan Schüler, Peter Sorge, Norbert Wagenbrett, Erhard Wehrmann, Genni/Jenny Wiegmann-Mucchi

Volker Stelzmann: Il Corno, 2011

Mischtechnik auf Nessel auf MDF, 140 x 100 cm

Preisliste

Die Ausstellung „REALISMUS ALS METHODE – Sechs Berliner Bildhauer” versucht, vor dem Hintergrund der reichen Tradition der Berliner Bildhauerkunst den Blick auf die hervorragende Arbeit der hier vorgestellten sechs Bildhauerinnen und Bildhauer Fritz Cremer, Waldemar Grzimek, Sabina Grzimek, Emerita Pansowová, Hans Scheib und Genni /Jenny Wiegmann-Mucchi zu lenken und darüber hinaus zu zeigen, dass diese auch Vorbildfunktion für kommendes bildhauerisches Schaffen haben kann. In unmittelbarem Zusammenhang mit dieser Ausstellung steht das Vorhaben “Berliner Bildhauer auf dem Garnisonkirchplatz”, das die Kunststiftung Poll in diesem Herbst realisieren wird. Im Zuge des von der IVG initiierten und in diesen Wochen fertiggestellten neuen Hackeschen Quartiers wird die Kunststiftung Poll mit Zustimmung des Straßen- und Grünflächenamtes und der Kunstkommission Mitte einige Skulpturen auf dem Garnisonkirchplatz aufstellen. Aufgestellt werden zunächst Rufer und Aus dem Wasser Steigender aus der 2006 entstandenen Skulpturengruppe Die sieben Gesten des aufrechten Ganges von Sabina Grzimek sowie die lebensgroße Plastik Die große Palucca von Emerita Pansowová aus dem Jahr 2010. Den Bronzeguss der Skulpturen sowie die Aufstellung wird die Kunststiftung Poll mit Unterstützung einiger umliegender Unternehmen finanzieren.

Artikel: “Realismus als Methode” in der Berliner Zeitung, 1.12.2011

Ankündigung “Realismus als Prinzip” in der Eventbeilage Wo?Hin! der Märkischen Oderzeitung, 17.-23.11.2011

Preisliste

Jan Schüler, 1963 in Gießen geboren, studierte an der Kunstakademie Düsseldorf bei Rissa und war Meisterschüler von Fritz Schwegler. Neben der Malerei findet die Auseinandersetzung mit der Vergangenheit auch auf anderer Ebene statt. Er sammelt Bilder und ordnet den Nachlass der Künstlerin Maina-Miriam Munsky, die indirekt mit seiner Familiengeschichte verbunden ist und gleichzeitig das Bindeglied zwischen Poll und Schüler herstellt. Schülers Mutter Renate Schüler-Lamert war eine Zeit lang mit Peter Sorge liiert, der später Munsky heiratete.

Bilder der Ausstellungseröffnung

Weitere Arbeiten sehen Sie hier!

Während all der Jahre hat sich Thomas Lange den Kopf freigehalten von Avantgardismen und Zwängen des zeitgenössischen Kunstbetriebs. Immer waren es eigenwillige Schöpfungen vor dem Hintergrund italienischer Bildkultur, seien es Phasen und Serien, beginnend mit den Venusbildern, der Heraufbeschwörung Caravaggios oder der Kunst Dürers… und immer wieder Portraits von Freunden und Bekannten, die er mit psychologischem Gespür als emblematische Figuren in malerisch explodierende Traumlandschaften setzt. Er entwirft einen symbolischen und visionären Realismus, um die verborgenen Seiten der Wirklichkeit hinter der Oberfläche aufzuspüren.

Die künstlerische Entwicklung Thomas Langes, geboren 1957 in Berlin, hat ihren Anfang in der zweiten Hälfte der 70er Jahre im von Aufbruchsgefühlen bestimmten Underground West-Berlins und setzt sich in den frühen 80ern in den Experimenten der als die “Jungen Wilden” titulierten jüngeren Künstlergeneration fort. Er studierte an der HdK (jetzt UdK) Berlin, bei Wolfgang Petrick und Herbert Kaufmann, dessen Meisterschüler er 1982 wurde. Im Jahr darauf war er Stipendiat der Karl-Schmidt-Rottluff-Stiftung. 1986 erhielt er einen Lehrauftrag der Universität Marburg, 1988/89 an der HdK in Berlin. 2001 wurde Lange der italienische Kunstpreis Suzzara verliehen. Seit 2004 erhält er immer wieder Lehraufträge an der Akademie Bad Reichenhall. Der Künstler lebt und arbeitet in Berlin und Italien.

Presseecho:

“Bootsfahrt mit Freunden”, Berliner Zeitung; 30.05.2011

“KUNST Stücke: Salz in der Luft”, Tagesspiegel; 11.06.2011

“Autobiografisches Alpenglühen”, Berliner Zeitung; 14. Juni 2011

 Bilder der Ausstellungseröffnung

Gezeigt werden Arbeiten folgender Künstler:
HERMANN ALBERT • ANTONELLO BULGINI • DOUG HALL • PETER CARER • JENÖ GINDL • WALTER GRAMATTÉ • SABINA & WALDEMAR GRZIMEK • SWETLANA HEGER • RITUMS IVANOVS • ANDREAS KAPS • HERMANN KIRCHBERGER • BERND KOBERLING • DIETER KRAEMER • HANS KUHN • JOACHIM KUPKE • MAX LINGNER • FRANS MASAREEL • GABRIELE MUCCHI • EMERITA PANSOWOWÁ • WOLFGANG PETRICK • HERMANN POLL • FRIEDRICH SCHRÖDER-SONNENSTERN • KARL SCHWESIG • PETER SORGE • VOLKER STELZMANN • NORBERT TADEUSZ • ERHARD WEHRMANN • LAMBERT-MARIA WINTERSBERGER

Preisliste

10.-13.3.2011

Sie finden uns in Halle 3, Stand-Nr.: K27
Stand-Telefon: 0177/264 7080

Öffnungszeiten: 12-20 Uhr; Sonntag, 13.3.11 von 11-19 Uhr

Preview und Vernissage sind am 9. März, 14 - 21 Uhr (nur für geladene Gäste); mit VIP-Ticket Einlass ab 11 Uhr.

Zum Download unseres Flyers mit Infos zur art Karlsruhe 2011 klicken Sie hier!

Im Rahmen der One-Artist-Show präsentieren wir: Norbert Wagenbrett

Eintrag Galerie Poll im One-Artist-Katalog.

Außerdem zeigen wir Arbeiten von:
Ursula Arnold, Jenö Gindl, Sabina Grzimek, Waldemar Grzimek, Maxim Kantor, Susanne Knaack, Dieter Kraemer, Arno Mohr, Maina-Miriam Munsky, Wolfgang Petrick, Peter Sorge, Volker Stelzmann, Genni Wiegmann-Mucchi

Norbert Wagenbrett: Am Spiegel,

2008, Öl auf Leinwand, 150 x 100 cm

Presseecho:

Berliner Zeitung, “Durchmarsch der Spaß-Gesellschaft”, 13.1.2011

DAS MAGAZIN, “Abgründe und Stilleben”, 2/2011

tip Berlin, “Highlights: Best of Berlin”, Ausgabe 20.1.-2.2.2011

Ankündigung “Ein Moasik von Typen” in der Eventbeilage Wo?Hin! der Märkischen Oderzeitung, 27.1.-2.2.2011

KUNSTZEITUNG 175, März/2011, “Großstadt-Autisten”

Seine „Passagen” zeigen ein Mosaik von Typen und extravaganten Gestalten auf der Bühne des Großstadtlebens. In virtuosen Figurenkompositionen und durch den Einsatz theatralischer Lichteffekte setzt Stelzmann den Körper als Ausdrucks- und Leidensträger in Szene. Seine Figuren stehen dicht gedrängt, doch ihre Blicke sind selten aufeinander gerichtet und nehmen einander kaum wahr; sie erwecken den Eindruck, beziehungslos zu sein und in sich selbst zu ruhen. Dennoch gelingt es Stelzmann, die Figuren räumlich eng miteinander zu verknüpfen und durch ihre Bewegungen, Körperhaltungen und nicht zuletzt durch geschickte Farbkomposition einen festen Bildzusammenhang zu schaffen. Aufwändige Kostümierung, von markantem Kopfschmuck über Nietengürtel bis zum High-Heel und ein steter Hauch von Lasterhaftigkeit sind kennzeichnend für seine Straßenszenen. Neben den „Passagen” werden auch Stelzmanns Stilleben und Zeichnungen ausgestellt, so dass zwei Elemente des menschlichen Lebens - die grell-bunte Szenerie des gesellschaftlichen Lebens, aber auch die mentale Sphäre, die Rückzugsgebiete in beziehungsreichen Stilleben und feinsinnigen Allegorien gezeigt werden.

Der Künstler wurde 1940 in Dresden geboren, zog aber schon 1948 nach Leipzig. Nach einer abgeschlossenen Ausbildung zum Feinmechaniker und dreijähriger Arbeit im erlernten Beruf (1957-63) studierte er von 1963-68 an der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) in Leipzig. Er arbeitete nach seinem Studium zunächst freischaffend und nahm 1975 eine Lehrtätigkeit an der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) Leipzig auf, die 1982 in eine Professur mündete. 1986 siedelte er nach West-Berlin über und war von 1987-1988 Gastprofessor an der Städelschule in Frankfurt am Main. Anschließend nahm er eine Professur für Malerei an der Universität der Künste (UdK) Berlin auf, die 2006 endete. Volker Stelzmann lebt und arbeitet in Berlin.

Weitere Arbeiten sehen Sie hier!

Presseecho:

Tagesspiegel, “Wie wahr”, 4.12.2010

Ankündigung “Sturmgepeitscht” in der Eventbeilage Wo?Hin! der Märkischen Oderzeitung, November 2010

Klicken Sie hier, um einen Film der Eröffnung mit Interview der Künstlerin zu sehen!

(von: BERLINER KUNSTKONTAKTER)

Im Entstehungsprozess der Bilder übernimmt sie die Rolle einer Lenkerin des Zufalls. Ihre Impulse steuern ihn, aber viel mehr noch ist sie Beobachterin und Empfangende dessen, was auf der Leinwand geschieht: Die Bilder “haben ihre eigene Dynamik. Ich lasse mich auf das, was passiert, ein, so gut ich kann. Kann ich nicht, so werden auch die Bilder keine. (…) Ich habe das Malen nach wie vor nicht im Griff, bin auf Glück angewiesen. Meine einzig wirklich sichere Fähigkeit ist, das, was in der Suppe gut geraten ist, zu erkennen, zu isolieren und nach geraumer Zeit stehen zu lassen. Oder auch nicht.”
Susanne Knaack geht vom Eigenleben der Farbe aus und versetzt diese so in Bewegung, dass dabei etwas entsteht, das wildem, sturmgepeitschtem Wasser ähnelt. Sie sind - so sagt sie selbst - “wie die Natur”" während die Zeichnungen, die sie ebenfalls macht, Stilleben “nach der Natur” sind.

Susanne Knaack, geb. 1962 in Berlin, studierte 1982-85 Kunstgeschichte und Germanistik an der Freien Universität zu Berlin und anschließend bis 1989 Malerei bei Georg Baselitz an der Berliner Hochschule der Künste. 1984-86 war sie Mitglied der Künstlergruppe “GRAS FRESSEN” und stellte mehrmals in der gleichnamigen Produzentengalerie in Berlin aus. Seit 1989 arbeitet sie zusammen mit H.H. Zwanzig im gemeinsamen Nositiv Atelier.

Bilder der Eröffnung sehen Sie hier!