“Allem avantgardistischen Eifer zum Trotz zeigt sich deutlich, dass tiefe Empfindung und große Universalität durchaus mit klarer Gegenständlichkeit und inhaltlichem Bezug korrespondieren und noch Jahrhunderte danach rezipiert werden können, ohne dass seitenlange Erklärungen beigegeben werden müssen. Voraussetzung dafür ist allein die individuelle künstlerische Spiritualität und Poetik, die auch und gerade im Konkreten das immer Gültige, das Allgemeine zu formulieren vermag. Hier findet sich bei allen dreien wenig Coolness, eher bekennen die Maler einen Grundschmerz an der Welt, der, gleichwohl ohne Frage und aus vielen Gründen angezeigt, sich mit der leichtlebigen Attitüde des aktuellen Kunstbetriebs nicht gemeinmachen mag”. (Heiko Matting)
Diese Ausstellung, schon seit einiger Zeit konzipiert, ist als Anstoß gedacht, eine Art abstract, um das Projekt in den nächsten beiden Jahren in einem größeren Rahmen in Prag, Rom und Berlin zeigen zu können.

Antonello Bulgini
Tier, Mensch, Pflanze – alles, was Bulgini zu seinem Leibwesen macht – formuliert er als Szenario zwischen Bewusstem und Unbewusstem in einer chaotischen Welt, die sich schon lange nicht mehr auf einem Blick zu erkennen gibt.
Geb. 1960 in Taranto (Italien)
1999-2004 Studium der Malerei und Graphik an der Akademie der Bildenden Künste München, Klasse Prof. Axel Kasseböhmer, Klasse Prof. Sean Scully
2004 Diplom, Akademie der Bildenden Künste, München
2004-2005 Meisterschüler bei Prof. Sean Scully, ebd.
2011 in Rom gestorben

Lubomir Typlt
Typlt fixiert den “Augenblick der Erkenntnis” auf unterschiedliche Weise. Eine radikale Lösung besteht in der extremen Zuspitzung der Farbgebung und der Vervielfältigung des Motivs, dem Klonen der anonymen Figur in einem Raster, bei dem sich dieselbe Geste, dieselbe Handlung wiederholt.
geb. 1975, Jilemnice, CZ
1989–1993 Václav Hollars Schule der bildenden Kunst in Prag
1993–1997 Hochschule der angewandten Kunst in Prag (VŠUP) bei Prof. Jiří Šalamoun
1997–2001 Fakultät der freien Künste in Brünn (FaVU) bei Prof. Jiří Načeradský
1998–1999 Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Markus Lüpertz
2000–2002 Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Gerhard Merz
2002–2005 Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. A. R. Penck, Meisterschüler

Heiko Matting
Matting arbeitet aus dem Gedächtnis, er erlaubt sich keine Fotos, keine optischen Hilfsmittel und auch keine Modelle. Er ist überzeugt, dass er selbst durch die ausschließliche Besinnung auf künstlerische Vorstellungskraft jene Eindringlichkeit und Individualität schaffen kann, die er von guter Malerei erwartet.
geb. 1965 in Dahme/Mark
1983 - 86 Lehrerstudium Kunsterziehung/ Deutsch an der Humboldt- Universität Berlin
1987/88 Lagerarbeiter, Briefträger
1988 - 1989 Grenztruppen der DDR, Thüringen
1990/91 Briefträger
1991/92 Erziehungsurlaub
1992 Reimmatrikulation an der Humboldt- Universität Berlin,
1993 - 97 HdK Berlin, Malerei bei Wolfgang Petrick, Meisterschüler
seitdem freischaffend in Berlin

Bilder vom Neujahrsempfang in der Galerie Poll am Tag der Aufstellung der großen Palucca

“Viele Arbeiten von Hermann Poll sind Beispiele für die “andere Malerei”, die nichtoffizielle deutsche Kunst innerhalb der Nazizeit, eine Kunst, die in aller Stille geschaffen wurde, die deshalb vielfach bis heute noch unentdeckt geblieben ist und deren Geschichte erst noch geschrieben werden muß. Für dieses Wirken in der Stille brachte der Maler Hermann Poll seine persönlichen Eigenschaften mit.” (Eberhard Roters)

Parallel zu dieser Ausstellung kann die Werkdokumentation des Künstlers, Mitbegründer der Kunststiftung, vorgestellt werden. 21 Jahre nach seinem Tod liegt damit ein umfassendes Verzeichnis der Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle und Beispiele des druckgraphischen Werks vor. Nach fünfjähriger Arbeit auf der Grundlage des künstlerischen Nachlasses und unter Einbeziehung des persönlichen Künstlerarchivs kann erstmals eine vollständige Darstellung des Werkes von Hermann Poll präsentiert werden. Sie zeigt einen Künstler, der Zeit seines Lebens in seiner eigenen, in sich und seinem Werk versunkenen Welt gelebt hat.

Ein Faltblatt zum Downloaden (pdf) mit weiteren Informationen zur Ausstellungen finden Sie hier.

In Berlin gibt es noch immer Gegenden, Quartiere und Plätze, die vielen Bewohnern der Stadt nicht mehr oder noch nicht bekannt sind. Hierzu gehört auch der Garnisonkirchplatz. Im Zuge des von der IVG initiierten und in diesen Wochen fertiggestellten neuen Hackeschen Quartiers wird die Kunststiftung Poll mit Zustimmung des Straßen- und Grünflächenamtes und der Kunstkommission Mitte einige Skulpturen auf dem Garnisonkirchplatz aufstellen, den es mit seinem reichen Baumbestand ebenso wie den unmittelbar benachbarten Henriette-Herz-Platz in Korrespondenz zum neu entstandenen Ernst-Litfaß-Platz im Hackeschen Quartier noch zu entdecken gilt.

Aufgestellt werden die Skulpturen Rufer und Aus dem Wasser Steigender aus der 2006 entstandenen Skulpturengruppe Die sieben Gesten des aufrechten Ganges von Sabina Grzimek sowie die lebensgroße Plastik Die große Palucca von Emerita Pansowová aus dem Jahr 2010. Die beiden Abbildungen stellen eine Simulation mit den Gipsoriginalen dar, die in Bronze gegossen und aufgestellt werden.

„Meine Absicht war es”, so Sabina Grzimek zu ihrer Figurengruppe Sieben Gesten des aufrechten Ganges, „Figuren zu formen, die eine menschliche Situation ähnlich der der Göttinger Sieben ausdrücken, als diese am 18. November 1837 ihre Erklärung verfaßten: Eine Moral, die es erfordert, auch zum persönlichen Nachteil seinen Ansichten treu zu bleiben und danach zu handeln”.

Die Tänzerin Gret Palucca (1902-1993) gehörte zu den bedeutendsten Künstlern des expressionistischen Ausdruckstanzes; ihr Charisma als Tänzerin und später als Tanzlehrerin in der DDR bestand in ihrer Vitalität und in ihrem Optimismus.

Die 1942 in Rom geborene Bildhauerin Sabina Grzimek wuchs in Ost-Berlin auf, studierte an der Hochschule für Bildende Kunst in Weißensee und war Meisterschülerin an der Akademie der Künste (AdK) in Berlin. Ihre zunächst vor dem Alten Museum im Berliner Lustgarten aufgestellte Arbeit Stehende und liegende Gruppe befindet sich heute auf dem Lützowplatz in Berlin-Tiergarten. 1983 erhielt die Bildhauerin den Käthe-Kollwitz-Preis und im Juni dieses Jahres wird ihr der Ehrenpreis des Ministerpräsidenten des Landes Brandenburg für ein Lebenswerk verliehen werden.

Emerita Pansowová, 1946 in der Slowakei geboren, lebt und arbeitet seit 1966 in Berlin, ebenfalls Meisterschülerin an der AdK und mit zahlreichen Arbeiten im öffentlichen Raum vertreten, so mit einem Kleistporträt in Frankfurt/Oder und mit ihrer Schreitenden in Rheinsberg. Die Künstlerin wurde 1985 mit dem Willi-Lammert-Preis geehrt, 2009 erhielt sie den Brandenburgischen Kunstpreis der Märkischen Oderzeitung in der Kategorie Plastik.

Die Kunststiftung Poll möchte mit ihrem Vorhaben Berliner Bildhauer auf dem Garnisonkirchplatz den Blick auf die reiche Tradition Berliner Bildhauerkunst und zugleich auf die herausragende Arbeit der beiden zeitgenössischen Künstlerinnen Sabina Grzimek und Emerita Pansowová lenken. Beide Künstlerinnen haben sich zur Mitarbeit an der Realisierung des Vorhabens bereiterklärt. Den Bronzeguß der Skulpturen sowie die Aufstellung wird die Kunststiftung Poll mit Unterstützung einiger umliegender Unternehmen finanzieren.

“Blickfang in der grünen Mitte Berlins”, Märkische Oderzeitung, 1.8.2011

“Tanz im öffentlichen Raum”, Märkische Oderzeitung, 14.1.2012

Fernsehbeitrag RBB, Abendschau am 14.1.2012, “Aufstellung der großen Palucca auf dem Garnisonkichrplatz”

“Fliegen lernen”, Berliner Zeitung, 17.1.2012

Der Kiez um den U-Bahnhof Weinmeisterstraße war wie eine vergessene Insel inmitten der Stadt. Ein Stück Brachland in unmittelbarer Nähe zum neuerbauten Alexanderplatz Überall waren die Kriegsfolgen noch sichtbar: Baulücken und viele Einschusslöcher in den Fassaden. Unter den Straßen fuhr, für den Ostbürger fest verschlossen, die West-Berliner U-Bahn.

Diese Stadtlandschaft war mir in seiner Brüchigkeit und Stille, seiner aufgerissenen Struktur bekannt und nahe. Ich zeichnete in der Mulack-, Stein-, und Linienstraße den Fensterausblick, die Dunkelheit, das Haus, die Verlassenheit, den Hof, die Garagen, Schraffur meines Viertels. Am Anfang jeder Zeichnung stand das gesehene Motiv, später kamen dann frei erfundene Elemente dazu.

Die Zeichnungen und farbigen Blätter werden durch Fotografien aus der Spandauer Vorstadt und dem Scheunenviertel aus den 80er Jahren ergänzt. Im Hof der Galerie, in einem ehemaligen Heizhaus ist eine Serie dieser schwarz-weiß Fotos zu sehen. Die Ausstellung lädt ein am unmittelbaren Ort ein Stück Stadtgeschichte von Berlin zu betrachten.

“In der Mitte um am Rand”, Berliner Zeitung; 7.7.2011

In Kaps‘ Bildern steht die Figur im Mittelpunkt des künstlerischen Interesses, sein Thema ist der weibliche Akt. Wie bei der Malerei meist in Serie, entstehen auch seine Zeichnungen spontan und intuitiv. Dabei reduziert Kaps die Körperformen auf das Wesentliche und grenzt sie durch scharfe Umrisslinien von der Umgebung ab. Die Spontaneität ihrer Entstehung ist seinen Werken anzusehen. Keine Vorzeichnung, keine Skizze verzerrt die momentane Idee.

Die Arbeiten entstehen aus der jeweiligen psychischen Situation des Künstlers: Seine aktuellen Stimmungen spiegeln sich in seinen Bildern wider. Dadurch dass die Arbeiten jedoch nicht bis ins kleinste Detail durchdacht sind, bleibt den Betrachtern ein großer Freiraum für eigene Gedanken und Interpretationen.

Die Ausstellung gewährt einen kleinen Einblick in die Sammlung der Kunststiftung. Sie widmet sich unterschiedlichen Positionen der realistischen Strömungen der 1950er bis 1970er Jahre und dem fotografischen Werk des Künstlerfotografen Erhard Wehrmann.

Die Werke entstehen aus der Beobachtung der sichtbaren Wirklichkeit und werden zu Zeichen und visuellen Dokumenten ihrer Zeit und ihrer Gesellschaft. Kunst wird zum kritischen Organ der Wahrnehmung von Wirklichkeit und zeigt sich hier in Form einer grundlegenden Skepsis gegenüber kulturellem Überfluss und der Entfremdungstendenzen der Konsumkultur.

Herbert Kaufmann (*1924), Vertreter des Nouveau Realisme, schöpft sein Bildmaterial aus der Werbe- und Medienwelt. Seine Bilder repräsentieren im weiten Begriffsfeld des Realismus eine eigene und unverwechselbare Position. Bei Kaufmann wir die Collage zur „visuellen Reportage”. Die Welt der Kommunikation in Serienproduktion ist der Ausgangspunkt, die Collage als künstlerisches Prinzip ist der Gegenstand der Auseinandersetzung.

Der Maler und Grafiker Peter Sorge (1937-2000) sorgt mit seinem kritischen Blick auf die Wirklichkeit für kontrastreiche Einblicke in die uns umgebende Bilderflut. Zentrales Motiv ist dabei die Gewalt. Rohstoffe seiner Kunst sind Fundstücke aus den Printmedien: Durch Kombination und Veränderung des vorgefundenen Bildmaterials aus der historischen oder aktuell politischen Wirklichkeit, kritisiert Sorge die Massenmedien und das Verhalten der Gesellschaft hierzu und dokumentiert sie zugleich.

Der Maler, Grafiker und Bildhauer Wolfgang Petrick (*1939) ist neben Peter Sorge Gründungsmitglied der ersten Produzentengalerie in Deutschland: „Großgörschen 35″, dem Ort, von wo aus der Kritische Realismus Westberlins hervorgegangen ist. In seinen Gemälden und Assemblagen zeichnet er Zerrbilder des verletzten Menschen und seiner Verdinglichung: so schaut man auf Fratzen der Aggression und des Leidens oder auf Menschen, die mit ihren Gerätschaften verwachsen sind.

Der Maler und Zeichner Harald Duwe (1926-1984) schafft in seinem Werk Alltagsallegorien des gesellschaftlichen Theaters: Kinder streiten sich um den Kuchen, satte Sonntagsmenschen liegen gelangweilt am Strand - der bürgerlichen Gesellschaft und deren naiver Wohlbefindlichkeit wird durch Duwe der Spiegel vorgehalten.

Das fotografische Werk Erhard Wehrmanns (1930-2004) zeigt Künstler im Dialog mit einer eigenen Arbeit. Entstanden in Ateliers, Werkstätten, Vernissagen und Biennalen visualisieren die auf das Wesentliche reduzierten Fotografien die Dreiecksbeziehung von Künstler, Fotograf und Werk.

Vor dem Hintergrund dieser Ausstellung erinnert die Kunststiftung an Heinz Ohff, der mehr als 25 Jahre als Kunstkritiker und Feuilletonchef des Tagesspiegels, Maßstäbe setzend - mittendrin und doch auf Distanz - und als engagierter Begleiter der Künste das Kunstleben in Berlin geprägt hat. Ohffs Kunstkritiken bleiben ein noch zu hebender Schatz in kritikarmer Zeit.

Als Kunstkritiker - seiner eigentlichen Passion - war er Legende, als Buchautor von staunenswerter Vielfältigkeit, als journalistischer Begleiter des Berliner Kulturlebens eine prägende Instanz. (Hermann Rudolph)

In einer Soirée am Sonnabend, den 26. Februar um 16 Uhr, wird in der Galerie der Kunststiftung Poll, Gipsstr.3, der Literaturwissenschaftler Ekhard Haack an den vor 5 Jahren verstorbenen Schriftsteller und Kritiker erinnern und aus dem vor einigen Jahren im InfoPress Verlag erschienenen Almanach „Schreiben für die Kunst” lesen.

Renate von Mangoldt (*15.12.1940) ist mit Ihrer fotografischen Arbeit als Chronistin der jüngeren deutschen Literatur seit den 1960er Jahren bekannt geworden. In dieser Ausstellung zeigt die Kunststiftung Poll ein Thema ihres Werkes, das bisher weniger Beachtung fand - ihre Dokumentation der Berliner S-Bahnhöfe zur Zeit des Kalten Krieges.
Ihre Kindheit verbrachte sie in Erlangen und besuchte nach dem Abitur die Bayerische Staatslehranstalt für Fotografie in München. Zu diesem Entschluss angeregt hatte sie die Arbeit des Fotografen Helmut Lederers, der für sie Vorbildcharakter hatte. In ihrer künstlerischen Arbeit widmete sie sich zunächst Steinformationen, Dolmen und Menhiren. Erst als sie 1963 den Schriftsteller und Professor für Literaturwissenschaften der TU Berlin, Walter Höllerer, kennenlernte, den sie später heiratete, drängte sich ein neuer Fokus auf.
Sie folgte Höllerer in sein neu gegründetes „Literarisches Colloquium” (LCB) nach Berlin und wendete sich fortan der Portrait-Fotografie zu. Ihr besonderes Augenmerk lag nun - stets in Schwarzweiß - auf dem Ablichten von Autorinnen und Autoren. Portraitiert hat sie beispielsweise Ingeborg Bachmann, Paul Celan, Uwe Johnson, Heiner Müller und Günter Grass.

S-Bahnhof Friedenau, September 1981	S-Bahnhof Feuerbachstraße, September 1981	S-Bahnhof Westend, Durchgang, Juni 1974
Reichstagsgebäude vor der S-Bahn zwischen Friedrichstraße und Bellevue, Juni 1974	S-Bahnhof Lichterfelde Süd, September 1981	S-Bahnhof Putlitzer Straße, September 1981

Gelegentlich machte sie fotografische „Abstecher” und wandte sich anderen Themen zu. Ihr 1977 erschienener Bildband über Berlin „übern Damm und durch die Dörfer” (mit 12 Essays von Walter Höllerer) vermittelt bis heute einen authentischen Blick auf die eingeschlossene Teilstadt Westberlin. Später befasste sie sich mit der Berliner S-Bahn. Da diese seit Kriegsende zur von der DDR weiterbetriebenen „Reichsbahn” gehörte, erlebte man ein Stück „Zone” hautnah, wenn man im Westberliner Sektor die Waggons bestieg. Vielen war dies suspekt, so dass sie lieber auf andere Verkehrsmittel umstiegen; der Mauerbau führte zu Boykottaufrufen von Senat und Springerpresse. In der Folge wurden viele S-Bahnhöfe geschlossen und Gleisanlagen stillgelegt. Der Verfall setzte ein. Anfang der 1970er Jahre begann Renate von Mangoldt, diese Westberliner Orte fotografisch zu dokumentieren. 1981 tat sie dies noch einmal. Heute sind die S-Bahnhöfe wieder voller Leben, und in der Hektik des Alltags erinnert uns kaum etwas an diese Zeit des Kalten Krieges, die von Mangoldt in ihren wunderbar stimmungsvollen Fotografien subtil konserviert hat. Sie hat damit ein umfangreiches Zeitzeugnis geschaffen, das aus Anlass des 70. Geburtstages der Fotografin in der Galerie der Kunststiftung Poll, im 2. Stock der Gipsstraße 3, bis Mitte Januar 2011 zu sehen ist.

Zur Ausstellungseröffnung am Freitag, den 17.12.2010, wird das bei Steidl erscheinende Fotobuch Nachtrag zur S-Bahn (35,-€) mit einem Text von Uwe Johnson präsentiert.

Das Schaulager im Heizhaus im Hof der Gipsstraße zeigt mit der Distanz von 20 Jahren Bilder von Repräsentationsbauten der in jenem Moment implodierenden DDR. Doug Hall kam 1992 nach Berlin, wie viele andere ausländische Fotografen angezogen von der aktuell gewordenen Geschichte und dem Versprechen plötzlicher Veränderungen. Die vorgefundene „realsozialistische”, kommunistische Ästhetik bildete ein Pendant zu seinem eigenen Wahrnehmungsstil. Er setzte seine zentrale Renaissance-Perspektive ein, um die beherrschende Seite der Objekte durch ihre Ordnung, Monotonie und Farbigkeit umso mehr zu betonen. Die 156 x 123 cm großen hochformatigen Abzüge, ganz in der Linie der amerikanischen Fotografie der letzten Jahrzehnte, vermitteln beim Betrachter einen bedrückend-erhabenen Eindruck und zeigen gleichzeitig in ihrer mathematischen Formel Präsenz. Wie versiegelt erscheinen uns heute die Zeugnisse machtvollen Auftretens in der funktionalen Strenge der 1970er Jahre - Hall beschrieb es selbst: „Innenräume von entschiedener Fadheit, die einen sowohl psychologisch wie geistig betäuben [...] Sie sind ebenso leer von Freude wie von Humor, Parodie oder Kritik. Es handelt sich hier um eine architektonische Sprache, in der weder Vergangenheit noch Gegenwart jenseits des Horizonts einer endlosen und banalen Gegenwärtigkeit vorstellbar sind”.
Doug Hall wurde 1944 in San Francisco geboren. Er begann 1967 ein Studium an der Skowhegan School of Painting and Sculpture und setzte seine Ausbildung ab 1969 in Form eines Studiums der Plastik an der Rinehart School of Sculpture of the Maryland Institute of Art in Baltimore fort. Seit 1984 ist Hall Professor am Art Institute San Francisco.

In der Galerie der Kunststiftung Poll, im 2. OG, sind gleichzeitig Werke Göran Gnaudschuns zu sehen.
Der Fotograf sucht in seinen Arbeiten den Moment, in dem sich der Portraitierte unbefangen der Kamera hingibt, sich ihr ohne Selbstkontrolle ausliefert und damit die schier unüberwindbare Grenze zwischen seiner Isolation als Individuum und der Außenwelt aufbricht. Das Medium der Fotografie ermöglicht es Gnaudschun, während des Portrait-Prozesses für einen kurzen Augenblick die ungeschützte Seele freizulegen. Er bewegt sich mit seiner Kamera an der Schnittstelle zwischen Außen und Innen. Was dabei entsteht, ist ein fotografisches Dokument, das zwar in der Wirklichkeit wurzelt, diese aber nicht abbildet. Vielmehr lässt das Festgehaltene Raum für die Empfindungen, Gedanken und Projektionen des Betrachters. Der Akt des Portraitierens ist für ihn der eigentliche reizvolle Part, weil sich dabei Stimmungen wandeln und etwas zum Vorschein kommt, was er einzufangen sucht: den Moment des Loslassens. Gnaudschun schätzt dabei die analoge Fotografie, weil diese weniger Raum für wesentliche Veränderungen bietet, als die digitale.
Göran Gnaudschun wurde 1971 in Potsdam geboren. Von 1994 bis 2003 studierte er an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Prof. Timm Rautert Fotografie. Er schloss sein Studium als Meisterschüler ab. Neben seiner freischaffenden Arbeit als Fotograf ist Gnaudschun als Dozent tätig.