Obere Reihe (von links nach rechts): “Revolution”, “NÖP”, Sowjetische Ikone”, “Friedensverhandlung”

Untere Reihe (von links nach rechts): “Aufbau”, “Ankunft im Alltag”, “Aufbruch”

1990, Öl auf Leinwand, je 181 x 132 cm

courtesy Kunstarchiv Beeskow

Geboren wird Wagenbrett 1954 in Leipzig, wo er Anfang der siebziger Jahre eine Lehre zum Offsetretuscheur absolviert und von 1977-1982 an der Hochschule für Grafik und Buchkunst bei Arno Rink, Wolfgang Peuker, Volker Stelzmann, Sighard Gille studiert. Dort beginnt seine künstlerische Entwicklung mit der Orientierung an der Bildtradition der Neuen Sachlichkeit. Über diesen Pfad gelangt der Künstler schließlich zu seiner eigenen Ausdrucksweise. Seine Menschenbilder sind zeichnerisch prägnant, erscheinen in sich ruhend, eher statuarisch in dem sie umgebenden Raum, mit ausdrucksvollen Augen und Händen, betont durch harte Konturenlinien.
Von 1984-1990 ist er Mitglied im Verband Bildender Künstler der DDR, von 1986-88 Meisterschüler bei Willi Sitte. Er erhält 1987 den Irene-und-Peter-Ludwig-Preis vom Künstlerhaus Wien und stellt 1988 im Deutschen Pavillon der 43. Biennale in Venedig aus. Seit 1990 ist er Mitglied im Künstlersonderbund in Deutschland e.V.
Der Künstler lebt und arbeitet derzeit in Leipzig.

Anlässlich der großzügigen Schenkung Kaufmanns an die Kunststiftung Poll präsentiert die Ausstellung einen interessanten Querschnitt durch das Schaffen des Künstlers.

Kaufmann wird 1924 in Aachen geboren. Sein künstlerischer Werdegang beginnt 1946 in Düsseldorf, wo er an der Staatlichen Kunstakademie studiert, und zwar zunächst mit dem Schwerpunkt Malerei. Kaufmann wird 1953 Gründer der Gruppe 53, der legendären Vorgruppe von ZERO. Zusammen mit Künstlern wie Gerhard Wind, Gerhard Hoehme, Peter Brüning, Heinz Mack und Otto Piene prägt die Vereinigung ab 1957 das Kunstgeschehen im Westen der Bundesrepublik wesentlich und bewirkt, dass Deutschland erstmals seit Kriegsende wieder Anschluss an die internationale Kunst findet. Von 1967 bis 1990 ist Kaufmann Professor an der Hochschule der Künste Berlin. Heute lebt und arbeitet er in Düsseldorf.

Ab 1960 beschäftigt Kaufmann sich mit der neuen Werbe- und Medienwelt in Zeitungen und Glanzzeitschriften. Er verwendet nun zur Herstellung seiner Arbeiten Teile und Bruchstücke vorgefundener Bildreproduktionen und gedruckter Texte. Aus Schnipseln und Papierfetzen entstehen also erste Zeitungscollagen. Eine Steigerung ergab sich Mitte der 60er Jahre; in seinen berühmten Litfaßsäulen verband sich das Prinzip Collage mit Objektkunst. Ende der 60er kamen weitere Werkstoffe wie Negativfilme in der Collagen-Gestaltung hinzu.
Pierre Restany, Protagonist des Nouveau Réalisme, hat 1962 in einem Aufsatz darauf hingewiesen, dass Herbert Kaufmanns Arbeiten die grundlegenden Probleme des neuen Realismus berühren. Damit stehen sie in einer Diskussion, die bis heute nicht an Aktualität verloren hat.

Eine Interimsphase in den frühen 70er Jahren führt Kaufmann noch einmal zur Malerei. Er malt Acrylbilder, die Collagen vortäuschen. Diese Phase bleibt kurz: 1977 kehrt er zur reinen Collagen-Technik zurück.
In seinem Spätwerk in den 80er und 90er Jahren sind Collagen weiter das wichtigste Medium. Jedoch rückt er in der Ausführung von thematischen Darstellungen ab, vielmehr wird ein eher haptischer Umgang mit Materialien wie Packpapier, Wellpappe und anderen unbedruckten, neutralen Werkstoffen wichtig. Aus diesen “Rohstoffen” entstehen gestalterisch reife monochrome, plastisch reliefartig geformte Arbeiten, seine sogenannten “geschlossenen Bilder”.

Sie gehörte zu den legendären Kamerakünstlern der frühen Nachkriegsjahre in West-Berlin. Die Kulturszene wurde damals besonders von Fotografinnen geprägt. Neben Hilde Zenker waren dies u.a. Ilse Buhs, Marianne Thiele, Nina von Jaanson oder Erika Rabau.

Sie galt als Institution der Berliner Kunstfotografie seit 1945. Ihre sensible Arbeitsweise zeichnete sich immer durch eine besondere und intensive Beziehung zu den Künstlerinnen und Künstlern wie zur Sache selbst aus. 1992 erhielt sie hierfür das Ehrenstipendium des Landes Berlin.

Viele Jahre war Zenker auch als Bildreporterin tätig. Bereits in den 40er Jahren gehörte sie zu einer Gruppe von Fotografinnen, die im 2. Weltkrieg Karriere machten. Neben Hunderten von der Wehrmacht eingezogenen Fotografen arbeitete auch eine beträchtliche Zahl von Frauen an der Bildproduktion der Kriegspropaganda mit, die dann in Zeitschriften wie Signal, Silberspiegel oder Koralle, in den letzten Kriegsjahren sogar in Farbe mit herausragender Druckqualität veröffentlicht wurde. Zenker machte beispielsweise Reportagen über Käthe Kruse oder, im Dezember 1942, über DRK-Krankenschwestern, die für ihren Einsatz während der Bombenangriffe ausgezeichnet worden waren.

Nach Rückkehr aus russischer Gefangenschaft kam sie über Sachsen-Anhalt (wo sie am 20.10.1909 in Weißenfels geboren wurde) in das zerstörte Berlin und arbeitete u.a. für die vom Tagesspiegel herausgegebene IBZ (Illustrierte Berliner Zeitschrift) mit  Reportagen über den Schwarzmarkt am Bahnhof Zoo, ein Flüchtlingslager in Tempelhof oder Dreharbeiten im abgeholzten Tiergarten für den Trümmerfilm „…und über uns der Himmel” (1947 mit Hans Albers). Außerdem sind in der Ausstellung eigenwillige Porträts aus den unmittelbaren Nachkriegsjahren, so von Ricarda Huch (Jena)  und Gustaf Gründgens oder solche des Berliner Kulturlebens der 50er und 60er Jahre, zum Beispiel Fritz Kortner, Valeska Gert,  Renate Gerhardt, Rudolf Springer  oder Hans Scholz zu sehen.

Unsere kleine Ausstellung versteht sich als Materialskizze, sie will notwendiger Fingerzeig sein auf den reichhaltigen fotografischen Nachlaß der vor zehn Jahren verstorbenen Fotografin, ein noch zu erschließender Schatz in der Berlinischen Galerie,  Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur, der wir für Kooperation und Unterstützung herzlich danken.

]]> http://www.poll-berlin.de/Stiftung/ausstellungen/hilde-zenker/feed/ http://www.poll-berlin.de/Stiftung/ausstellungen/karl-ludwig-lange/ http://www.poll-berlin.de/Stiftung/ausstellungen/karl-ludwig-lange/#comments Thu, 20 Aug 2009 14:30:00 +0000 unfug http://www.poll-berlin.de/Stiftung/?p=262 Karl-Ludwig Lange, 1949 in Minden geboren, zog im Alter von 17 Jahren nach Berlin, um sich dort zum Fotografen ausbilden zu lassen. Er absolvierte ein Volontariat bei dpa und arbeitete als Assistent von Will McBride. Seit Anfang der siebziger Jahre begann er in Berlin zu fotografieren und verfolgte seine künstlerischen Ziele konsequent. Seitdem gehört er zu den wichtigsten Vertretern der Stadtfotografie in Deutschland.

Karl-Ludwig Lange, Berlin-Mitte, Friedrichstraße/Oranienburger Straße, 24. Dezember 1989

Inhaltlich zieht sich die Bearbeitung des Themenkomplexes Stadt unverkennbar durch seine Arbeiten. Diese wird als eine besondere Form von Kulturlandschaft dargestellt, als enges Zusammenspiel von Topografie, Architektur und Bewohnern. Dabei begreift Lange die Stadt als Umfeld für soziale und gesellschaftliche Phänomene, als Teil eines gestalteten Raumes, eines Gesamtzusammenhanges. Der Fotograf erzählt deren Geschichte, Entwicklungen und Symbolhaftigkeit. Im Fokus steht die Frage, was eine Stadt ausmacht, wie sie lebt, wie sie vergeht, wie sie an anderer Stelle weiterlebt.

Dafür arbeitet er in Serien, oft über Jahre des intensiven Forschens, Schauens und Auswählens hinweg. Seine scheinbar sachlich-objektiven Darstellungen sind nicht nur Illustrationen architektonischer und topographischer Themen, sondern sichtbarer Ausdruck von Langes Konzept einer „fotografischen Durchdringung von Urbanität”. Berlin liefert Lange die Motive; wie der in dieser Ausstellung präsentierte Berliner Fernsehturm, den der Fotograf in seinen 180 kleinformatigen, detailreichen Schwarzweiß-Aufnahmen aus den Jahren 1989/90 dokumentiert.
Wind und Wetter trotzend, tags im Sonnenschein strahlend oder des Nachts erleuchtet, thront der Fernsehturm auf dem Alexanderplatz über der Stadt und begleitet deren Bewohner tagtäglich als markante Orientierungshilfe und Wahrzeichen, als Erinnerung an eine vergangene Ära und gleichzeitig Zeichen eines Neuaufbruches. Lange veranschaulicht die Symbolwirkung eines der bekanntesten Sinnbilder der Hauptstadt zu Zeiten der Wende und bettet es in den Kontext der urbanen Strukturen Berlins. Die ausgestellten Arbeiten zeigen die vielen Gesichter des „Telespargels” in der Alltagskultur: das vormals ideologisch behaftete Symbol der DDR, das sich seit der Wende zum Wahrzeichen des neuen, wiedervereinten Berlins entwickelte.

Einen Flyer zum Downloaden (pdf) mit Informationen zu weiteren Ausstellungen in Berlin von Karl-Ludwig Lange finden Sie hier.

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Link zur Ausstellung im Marie-Elisabeth-Lüders-Haus

Neben den naturalistischen Elementen stehen freie, abstrakte Flächen, zum Teil nur Farbflächen, aber auch texturell realistisch strukturierte Flächen, die phasenweise den Eindruck von Malerei suggerieren. Die Grenze zwischen Malerei und Zeichnung verwischt, indem die Künstlerin in der farblichen Gestaltung mit Hilfe von Pastellfarben und Kreiden oder in der plastischen Gestaltung durch Verwischen und Verreiben die Eindeutigkeit der Linie in den Hintergrund treten lässt. Das Ergebnis sind Bilder, bei denen sich verschiedene Schichten überlappen und daraus Volumen entsteht. So arbeitet AltSchäfer entgegen der heutigen multimedialen Schnellebigkeit und Bilderflut mit einem zeitlich aufwendigen konzentrierten Verfahren, durch das die Zeichnungen in ihrer Komplexität zu hoher Intensität gelangen.

Die Künstlerin demontiert auf den Spuren der Kubisten die Realität, zerlegt und zersplittert sie in ineinander verschachtelte Puzzleteile. Das macht aus ihren Motiven farbig intensive gestrichelte, schraffierte, schattierte und gerasterte Patchworks, die von der hingebungsvoll ausgelebten Lust am Ornamentalen künden. Wie ein gewebter Bildteppich fügt sich alles zu einem Ganzen.

Kurzbiographie

1960 in Rüsselsheim geboren

1981-88 Studium der Bildenden Kunst an der Johannes-Gutenberg-Universität, Mainz

1989-91 Studium an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Konrad Klapheck

1991 Meisterschülerin bei Prof. Konrad Klapheck

1992-97 Lehraufträge für Zeichnung und Malerei an der Johannes-Gutenberg-Universität, Mainz sowie an der Fachhochschule Wiesbaden, Fachbereich Gestaltung

lebt und arbeitet in Rüsselsheim

Auszeichnungen
1986 Förderpreis der August-Müller-Stiftung, 1987 Förderstipendium der Johannes-Gutenberg-Universität, Mainz, 1988 Johannes-Gutenberg-Stipendium, 1989 Burgund-Stipendium des Landes Rheinland-Pfalz, 1990 Preis des Kunstvereins Eisenturm, Mainz, 1992 Preis des Landes Rheinland-Pfalz für Grafik, 1997 Preis der DT Bad Kissingen

1960 in Taranto geboren, studierte Bulgini zunächst Medizin in Pisa und wandte sich nach Abbruch des Studiums erst spät als Autodidakt ganz der Kunst zu. 1998 kam er nach Deutschland, wo er an der Akademie der Bildenden Künste in München in der Klasse von Prof. Sean Scully Meisterschüler wurde.
Aufgrund seines heterogenen figurativen Ansatzes ist es schwer, Antonello Bulgini, den die Kunststiftung Poll zum zweiten Mal ausstellt, in eine thematische Kategorie einzuordnen; in seinen Worten ausgedrückt: „Wenn eine Eigenschaft in meinem Stil steckt, ist es genau die Nicht-Eigenschaft, der Nicht-Stil”. Die Konstante seines Œvres hingegen bildet die Technik der Malerei sowie das experimentelle Umgehen mit der Oberfläche - Leinwand, Plexiglas, Papier, Aluminium etc.
Auf seinen Leinwänden oder Werken auf Holz lässt sich die expressive Linie seiner vorherigen Arbeitsweise mit Zitaten von Velázquez und einem kontinuierlichen Einfluss der italienischen Renaissance erkennen, besonders was die schmeichelnden Hintergründe und die Farbigkeit wie bei „Paesaggio” („Landschaft”) oder „Quando l’unico vento disponibile era il respiro” („Als der einzige verfügbare Wind das Atmen war”) betrifft.
In seinen Arbeiten aus Stahl verweist Bulgini auf die unausweichliche Ungewissheit jeder realen Form und deren Dynamik, was sich hier besonders in der Beziehung Betrachter - Künstler ausdrückt. Durch die spiegelnde Eigenschaft des Materials, das er seit 2007 verwendet, reflektiert das Kunstwerk nicht nur den Geist und das Schaffen des Künstlers, sondern im wahrsten Sinne des Worts auch den Betrachter, der somit Teil des Werks wird. Damit üben nicht nur die Arbeiten Einfluss auf die Umgebung bzw. Rezipienten aus; der Vorgang wird umkehrbar, in der Spiegelung transformiert auch der interagierende Betrachter das Werk und wird zu dessen integralem Bestandteil.
Ventre („Leib”), der Ausstellungstitel, ist als Untersuchungsfeld zu verstehen; wie eine emotionale Endoskopie, die den Stoffwechsel der wirklichen Welt durchsucht. Der Künstlerleib beobachtet und untersucht sowohl die Banalität als auch die unerwarteten Überraschungen des Alltäglichen. Bulgini sagt: „Meine Arbeit ist eine Vorgedankenart, ein Konzentrationszustand über das Leben und die Realität durch die Malerei”.
Antonello Bulgini ist ein Wanderer zwischen den Welten, Gegensätze sind sein Thema. Beim Ausloten von hell und dunkel, leise und laut, Wunschbild und Verdammnis, Dynamik und Starre malt er sich kraftvoll bis an die Grenzen dessen, was das Triebhafte im Menschen sichtbar werden lässt.

Presseecho: Berliner Zeitung, 26. Mai 2009

Ihr photographisches Œuvre wurde entscheidend von ihrer kritischen Betrachtung der DDR-Wirklichkeit beeinflusst. In der DDR war die Photographie oft ein Mittel politischer Erziehung. Oppositionelle Standpunkte, die dem offiziellen, staatskonformen Blick ein anderes Bild entgegenstellten, wurden abgelehnt. Ursula Arnold zählte zu jenen Künstlern, die sich nicht einbinden ließen.
Franziska Schmidt schrieb im Katalog zu der der Künstlerin gewidmeten Ausstellung in der Berlinischen Galerie: „[Ihre Bilder] zeigen die leisen und verborgenen Seiten des Lebens, in dem der Mensch allein mit sich selbst und den alltäglichen Sorgen ist. Ihre Bilder sind Ausdruck der Diskrepanz zwischen der propagierten ideologischen Darstellung des optimistischen Menschen als kämpferischer Held des Sozialismus und den herrschenden Verhältnissen.” In den Worten der Künstlerin: „ Meine Sympathie gehört denen, die nicht zu den Herrschenden gehören. Ich möchte im Alltäglichen das Besondere und das Einfache suchen, Nuancen sammeln, die Leben ausdrücken … in der Anonymität das Verwandte treffen.”
Ursula Arnold ist 1929 in Gera als Tochter eines Photographen geboren. Nach ihrem Studium der Photographie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig hat sie versucht, als freiberufliche Photographin zu arbeiten, was ihr wegen ihrer individuellen Sichtweise der Arbeit nicht gelungen ist. 1956 zog sie nach Berlin und begann eine Tätigkeit als Kamerafrau beim Fernsehen der DDR in der Abteilung „Dramatische Kunst”. Die Photokamera benutzte sie an freien Tagen weiter, teilweise auch, um die Repressionen in den Fernsehstudios zu kompensieren. „Es war Selbsttherapie”. Bedeutend sind vor allem die Bilder, die sie in den achtziger Jahren in den Straßen am Prenzlauer Berg gemacht hat. 2002 wird ihr die wichtigste Berliner Kunstauszeichnung, der Hannah-Höch-Preis, verliehen.
Ihr und gleichgesinnten Künstlern ist es zu verdanken, dass neben den Aufnahmen, die mit der von der SED geforderten Photoberichterstattung konform gingen, auch realistische photographische Zeitzeugnisse der sozialen Wirklichkeit in der DDR existieren.

1969 bis 1973 leitete er “SYSTEM DESIGN”, eine Planungsgruppe für visuelle Leitsysteme. Damke reist regelmäßig nach Ägypten und wurde 1979 Gastprofessor an der Fakultät für Angewandte Kunst der Helwan Universität in Kairo. 1972-2004 war er Professor an der Fachhochschule Münster im Fachbereich Design. Er lebt und arbeitet in Münster und Mallorca.

Seine künstlerischen Anfänge widmete Damke der Collage und begann anschließend in den 60er/70er Jahren mit seriellen Kompositionen, die Abfolgen gleicher Formen enthalten. Eine minimalistische Bildsprache ist vorherrschend, ein Bezug zum Designfach lässt sich erkennen.
In den 80er/90er Jahren dominieren auf monochromen Farbflächen vereinzelte Zick-Zack-Linien, geschwungene Linien, kleine Quadrate, Rechtecke, Kreise und Halbkreise, an Scherenschnitt erinnernde, collagenartig zusammengesetzte Formen, die auch über den Bildrand herausragen können - ein erster Schritt in die Dreidimensionalität.
Die Photographie tritt - als selbständiges Medium - in den 80er Jahren hinzu. Mitte der 90er Jahre ergänzt Damke sein Œuvre um die dritte Dimension. Es entstehen den flächigen Arbeiten verwandte Skulpturen. In seinen neuesten Gemälden greift er auf vorliegende Stoffe zurück, die ihm als Malgrund für geometrischen Formen dienen, und deren Ergebnis uns unmittelbar zu Joan Mirós Werken führt. In den „Photographien” werden diese Stoffe gegen Sand, Steine, Holz oder Algenreste getauscht, die sich als Hintergrund mit uns bekannten Objekten des Alltags, Abfall und Müll, komplementieren und dadurch in einem neuen Zusammenhang erscheinen. Der Betrachter durchlebt verschiedene Phasen: Was er zuerst als Schmutz und Abfall wahrnimmt, wird danach zum Objekt seiner Erinnerungen, um sich am Ende in ein lyrisches Bild voller Konnotationen zu wandeln.

Bernd Damke hat ein Werk geschaffen, das durch die Prägnanz der einzelnen Arbeit besticht, während es in seiner Gesamtheit durch die Konsequenz seiner Entwicklung überzeugt. Seine Veränderungen vollziehen sich in einem langsamen Prozess ohne radikale Einschnitte. Seine Werke zeugen von einer tiefgreifenden Auseinandersetzung mit den kategorialen Bestimmungen des künstlerischen Bildbegriffs und dessen ästhetischen Dimensionen, also von Fläche, Farbe und deren Verbindung zum Umfeld, zum Raum.

Erste Ausstellungen wurden bereits in den 70er Jahren mit Denis Masi und Ian Colverson, die ihren Siebdrucken Fotos zugrundelegten, oder mit Karl-Ludwig Langes und Hans W. Mendes Sicht auf Berliner Stadtlandschaften realisiert.
Es folgten mehr als 50 Präsentationen, u.a. von Ursula Arnold, Doug Hall, Ursula Kelm, Irina Liebmann und Erhard Wehrmann.

Seit den 70er Jahren, spätestens seit der Documenta 6 („Kunst und Medien”) 1977 mit ihrem von Klaus Honnef verantworteten Schwerpunkt Fotografie, hat diese Eingang auch in die breitere Kunstwelt gefunden. Die Fotografie war das erste visuelle Massenmedium (Paul Virilio) und hat mehr als jede andere visuelle Sprache das kollektive und individuelle Gedächtnis unserer Zeit geprägt. Über das Dokumentarische hinaus ist die Fotografie dann selbst zum Kunstprodukt geworden, sie war „beim Übergang vom malerischen zum fotografischen Bild das eigentliche Kunstereignis unseres Jahrhunderts” (Boris Groys).

Die Ausstellung, die vorher zum 40jährigen Jubiläum der Galerie Eva Poll im PollStudio am Lützowplatz gezeigt worden ist, wird nun in etwas größerem Umfang in der Galerie der Kunststiftung präsentiert. Sie spiegelt unser Abenteuer mit der Kunst wider, zeigt Menschen, die uns begegnet sind und mit denen wir gearbeitet haben, erinnert an persönliche oder historische Ereignisse der letzten 40 Jahre.

Die thematische wie ästhetische Bewusstheit, wie sie die führenden Berliner Fotografen Anfang der achtziger Jahre in ihren Bildern artikulierten, waren von einem neuen Selbstverständnis geprägt, für das es allgemeine Gründe gab: 1976 war in Berlin die „Werkstatt für Photographie” gegründet worden, es hatten sich erste auf Fotografie spezialisierte Galerien etabliert (in Berlin die Galerie Nagel) und 1977 war der Fotografie auf der documenta erstmals ein eigener Bereich zugebilligt worden. Zudem fußte das neue Selbstverständnis der Fotografen auf dem von Klaus Honnef aus der Filmtheorie übernommenen Begriff des Autorenfotografen.

In diesem Sinn, nämlich autonom und thematisch zielgerichtet, fotografierten Michael Schmidt, Gabriele und Helmut Nothhelfer, Karl-Ludwig Lange, Hans W. Mende und Thomas Leuner, jeder mit seiner eigenen Sehweise seine Bildserien. Was damals als „Berliner Dokumentarismus” bezeichnet wurde, zeigt sich heute als je eigener interpretatorischer Zugriff auf die spezielle Berliner Wirklichkeit.

Indem sie die Aspekte der Teil-Großstadt und der Teilung thematisierten und dokumentierten, haben sie einen eigenen deutschen Erinnerungsmythos geschaffen.

Der Titel der Ausstellung „Vom Gehen auf Eis” lehnt sich an das im Jahre 1978 erschienene Tagebuch „Vom Gehen im Eis” des Filmregisseurs Werner Herzog an, in dem er seine winterliche Wanderung von München nach Paris beschreibt, wo er die im Sterben liegende Filmkritikerin Lotte Eisner besuchen wollte.
Auf seinem langen beschwerlichen Weg beschreibt der Autor alltägliche, scheinbar bedeutungslose Dinge, Menschen, seine Umgebung, die sich im Beschreibungsprozess zu einer neuen Landschaft zusammenfügen - Herzogs Versuch, Deutschland durch das „Gehen im Eis” wieder zu entdecken.

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